代表皇权形象的黄色瓷釉遍施碗内外，胎骨细薄轻盈，匀净鲜亮； 外面暗刻龙纹，飞龙腾空而起，追云赶雾，一副皇家气派； 碗底施以白釉，上面写着“大明成化年制”六个字。仔细一看，色润而不油，釉亮而不腻，让人不禁想起宋代诗人戴复古的“摘尽枇杷一树金” 。

　　这只漂亮的瓷碗现在就放在观复博物馆，作为黄釉的典型代表展出。

　　跟6公里外的798艺术区相比，同处朝阳区大山子的观复博物馆显得偏僻多了，已经到了北京五环外，但这丝毫没有吓退对古文物或马未都感兴趣的人。这座创立于1996年10月的博物馆是中国第一家私立博物馆，因创办人、现任馆长马未都先生而名声大噪，近日又由于推出“瓷之色”的专题展览而备受瞩目，参观者络绎不绝。

马未都 

　　“我们过去对瓷的概念很大程度上都是纹饰，很少有人从釉色这个角度去分类、解析，也没人搞过这样的展览，我们这是第一次。 ”马先生介绍说，釉色与纹饰是欣赏陶瓷时需要注意的两大装饰，但是前者抽象，后者具体，人们更容易关注到后者，而忽略了陶瓷的颜色本身也是一个精彩纷呈的艺术世界。按照观复博物馆网站公告的说法，此次展览的目的是换一种角度解释陶瓷的成因，并充分展示瓷之色带给人们感观上的神奇变化。

　　马先生一直有个观点： 创造美有时候是天生的，比如一些人之所以是歌唱家，就是因为天赋过人，但是欣赏美则一定是后天的，需要接受一定的美学训练。古代人对于女人小脚的欣赏，就是美学教育的结果。同样，要是没人从小告诉你金鱼长成那样很好看，那你乍一看到，没准会觉得它是丑八怪。

　　此次展览以瓷器的颜色作为主题，是否也有对民众普及美学教育的意图呢？对于我们的疑问，马先生给出了肯定的答案。

　　马先生认为，瓷的颜色本身就表现形式而言，比较含蓄，理解起来有困难。说着，他指着一个宋朝定窑的白瓷， “比如这个白釉， 一般人需要接受一定的美学训练，否则他不知道怎么去欣赏它。我们把不同时期、相同釉色的瓷放在一起，让大家去对比着看，就是希望引起人们对这方面的注意和思考。 ”

　　与《百家讲坛》上的马先生相比，生活中的他多了一分随意、一分亲近。同样的感受出现在我们参观的时候： 只有两层楼、3000多平米的展厅布置得很用心，环形路线加上错落有致的通道，让几个展馆浑然一体，随便从哪个门进去， 都可以一路看过去， 不必走回头路，不会有遗珠之憾。文物的摆放方式追求自然、 大方， “我们尽量不让观众隔着玻璃看，让人感觉这个东西是亲切的” 。此次 “瓷之色” 专题展览就设在一楼北侧的陶瓷馆。

　　此次展览根据釉色不同，划分为白釉、黑釉、青釉、酱釉、绿釉、红釉、蓝釉、黄釉、官釉、色斑釉、仿生釉几大类， 展品近200件， 既有专供皇家使用的“黄器” 、“殿器” ，也有“飞入寻常百姓家”的黑色日用品，还有文人雅士喜爱的青花瓷。有的热情奔放， 有的含蓄内敛，如清康熙年间烧造的郎窑红釉梅瓶，红若牛血，艳似花开，而产于宋朝的外酱釉内白釉碗色彩内敛，却又落落大方，有如大家闺秀。

　　原始瓷器偶然沾上的釉点启发了工匠的思路，施釉遂变成了主动追求， 这一手段让陶瓷一天天地漂亮起来，也让陶瓷更加实用……

　　据马先生考证，虽然青瓷出现得最早，但白色才是最早的追求。

　　因为早期瓷器之所以是青色的，并非主观使然，而是材料和工艺决定了它的本色就是这样子。釉色变化的历史，其实也是一个不断提纯的过程，工匠们便是在摸索了上千年的青瓷烧造的基础上，发现了烧造白瓷的技巧。白瓷与青瓷名为两类，实际上是同一个系统里的拓展与竞争，简单点儿说，就是把青瓷中的青色去掉，便烧成了白瓷。

定窑白釉印盒 

　　像宋朝的定窑白釉印盒（土定）看上去白中隐青，似乎还未完全脱去青瓷的痕迹； 到了辽代，定窑烧出的白瓷胎质致密，釉白莹润，叩之清越； 取代辽的金人尤其推崇白瓷，多地的白瓷得以发扬光大，展出的耀州窑月白釉钵，颜色更加洁白，还多了印花工艺，趣味盎然。

　　不过，这些跟明永乐年间的甜白釉相比，又远远不及。据史料记载，永乐一朝，白瓷采用景德镇洁白如玉的高岭土，再施以透明釉，白的程度达到了前所未有的高度，这从甜白釉的名字便可看出。

甜白釉僧帽壶 

　　瓷器不能品尝，何甜之有？有人认为永乐白釉与白砂糖相似，所以叫这个名字，马先生则认为甜白一名，重在神似，强调内心之感受，不重外在之表现。静静观之，有如甘泉淌过，不动声色而心生喜悦。像产于明永乐的甜白釉僧帽壶，便白得优雅，白得恬淡，仿佛数百年的历史如流水，从壶口缓缓流出，一副宠辱不惊的样子。

　　随着工艺的不断进步，瓷器的釉色变得越来越丰富，也越来越纯净。到了清朝后期，釉色的烧造技术已经到了如指使臂的地步，几乎想烧什么颜色就烧什么颜色，形状也更加多变，颜色和形状都富于变化的仿生瓷就是在这种背景下诞生的。

 桃花洞观音瓶

　　观复博物馆中的“桃花运”系列丝巾的创意便来自清乾隆年间生产的“桃花洞”观音瓶。当时技术进步了，各种釉色都玩过了，能模仿的古代瓷器也仿得八九不离十了，工匠们开始玩起了“先锋艺术” ：以吹釉的方式将红、黄、白、蓝、绿五种互不搭界的颜色吹上，创意大胆，做法随性，其风格在今日看来仍显新潮。

　　除了颜色的变化，古人还试图通过釉色使陶瓷的形状“发生改变”——这便是唐代绞胎的源起。陶瓷发明之初，古人的潜意识里是要摆脱自然属性的，但是自唐代开始，人们开始尝试将不同颜色的胎土绞在一起，绞出层次来，开始了陶瓷版的仿生学。流畅的线条自成一体，看上去如花木，似鱼石，却又似乎什么都不像，特殊的美感于此体现。

　　正在展出的北宋绞釉钵便具备这样的特点： 白褐两色有如两个紧紧相随的舞者，忽而前，忽而后，有时缓如平水，有时蘧然直下，在钵外面划出一组组美丽的线条,似石非石好像很有规律，却又无章可循，给人们以无限想象的空间。

　　这一追求在清乾隆时到了巅峰状态。雍正六年，醉心于陶瓷工艺的改进督陶官唐英入驻景德镇，在近三十年的时间里，不仅把《陶成纪事碑》里的57种陶瓷继续发扬光大，还自创一类，从仿自然到仿器具，无所不仿，有松石，有珊瑚，有虾蟹海螺，有书函金佛……目前藏于故宫博物院的清乾隆仿雕漆碗，便仿得真假莫辨，几可乱真。

　　就这样，清代的仿生瓷在一夜之间成熟起来， 并攀上顶峰， 前无古人， 后无来者，成为绝唱。